什么是「流行时代」？

20世纪50年代中期以后的十年里，波普艺术在美国和英国发展了一个新的艺术流派，被称为“波普艺术”。这些被称为“波普艺术家”的人，在这一时期的创作中有着* * *般的相似性。他们以流行的商业文化形象和城市生活中的日常事物为题材，创作手法往往体现出工业化和商业化的特征。导致波普艺术的因素并非随处可见，英美战后的城市文化是其生长的特殊土壤。只有与这种城市文化近距离接触的艺术家才能把握波普艺术独特的风格和表达方式，人们认为狭义的波普艺术起源于英国，而不是美国。1952年底，一群年轻的画家、雕塑家、建筑师和评论家在伦敦当代艺术学院召开了一次会议。这个自称“独立”的团体专注于流行文化及其意义，如西方电影、太空小说、广告牌、机器之美等。这些现象在当时都被认为是反审美的。这个群体痴迷于新的都市流行文化，尤其被美国人的表达方式所吸引。一方面，在英国人眼里，当时的美国是一个理想国，从尼龙制品到新式摩托车应有尽有。另一方面，40年代的英国艺术界被严重的浪漫主义斗争的气氛所笼罩，英国波普艺术是对它的一种反应。1956，“独立派”举办了名为“这就是明天”的展览。展览中最具感染力和影响力的作品是理查德·汉弥尔顿放在入口处的一张海报，名为‖是什么让今天的家庭如此迷人？(图1)。图片是从画报上剪下来的现代公寓，里面有一个肌肉男和一个傲慢的裸女。公寓里有很多文化产品:电视、录音机、放大的漫画书封面、一个福特徽章和一个吸尘器的广告。透过画中的窗户，你可以看到一个电影屏幕，显示了电影《爵士乐歌手》中阿尔·乔尔森的特写镜头。这个男人手里还拿着一根巨大的棒棒糖，糖果上有三个大大的字母POP。波普艺术一词由此而来。Pop不仅是棒棒糖的后缀，也是“流行时尚”的缩写。在美国，波普艺术是对20世纪50年代盛行的抽象表现主义的回应。一方面，抽象表现主义的作品被视为艺术家独特个性的展示，完全是个人的、主观的、精神的。它强调艺术的纯粹性，成为精神高贵的艺术。另一方面，由于这种灵性在于即兴创作，完全是个人化的，很多后来者纷纷模仿，所以似乎这种“高雅”的艺术人人都能做。可惜这些作品大多只有炫目的画面，却很难展现精神。可以说眼睛很多，但是真的很少。波普艺术大胆尝试新材料、新主题、新形式来解决抽象表现主义的问题。20世纪60年代，波普艺术将“生活”和现代城市生活带入了博物馆和美术馆。第一次让“波普”这个称号在世界范围内流行起来的集体展览，是1962年在悉尼Dzhanis画廊举办的“新写实艺术家”展览，汇集了这一潮流的艺术家(包括欧洲艺术家)。其次是1963举办的两个展览:“六位艺术家展”和“大众影像展”。在某种程度上，美国确实影响了世界上所有的波普艺术。由于美国商业文化的强大影响，在世界上几乎任何一个国家都可以看到好莱坞电影和麦当劳汉堡，这已经渗透到许多文化中，成为一种可以消费的流行文化。另一方面，波普艺术是一种“工业”艺术。罗伊·罗伊·利希滕斯坦曾说:“随着美国越来越受到工业化和资本主义的冲击，它的价值观似乎更加扭曲...我觉得我创作的意义在于表明它是工业化的，这也是整个世界的方向。欧洲很快也会如此，所以波普艺术将不再是美国的，而是全球的。”波普艺术抵制了一位著名评论家的座右铭:伟大的艺术一定是困难的艺术，波普艺术家经常使用拼贴或批量复制，这似乎更容易。“波普艺术是现代电影中的速溶咖啡和宽银幕。它不是僧侣统治下的拉丁语，而是流行艺术”流行艺术的吸引力与其范围一样广泛。它接受生活中的一切和所有更普通的方面。它仍然是艺术，但绝不是为艺术而艺术。说到英美波普艺术，首先要提到的是美国人劳申伯格和贾斯珀·约翰斯，以及英国人理查德·汉弥尔顿。劳申伯格于1925年出生于得克萨斯州，在20世纪40年代末开始学习。早期受抽象表现主义的影响，他在50年代初画了一系列全白的画，上面唯一的图像是观者的影子。后来，他画了一系列全黑的画，但这些画不是他的第一幅。后来他向“组合绘画”方向发展，用生活中普通的东西组成画面——啤酒瓶、废纸箱、旧轮胎、报纸、照片、绳子、麻袋、枕头等等。画布和固定在画布上的物体构成了一幅作品，《床》(图2)就是这类作品的典型。作者只是简单地把睡袋和枕头挂在画布上，然后在上面撒上一些颜料。这样在他的作品中使用现成的产品，目的是打破艺术与生活的界限。正如他所说，“绘画既是艺术，也是生活，两者都不是做出来的。我想做的事情就在这两者之间。”同时，他的作品有抽象表现主义的痕迹，往往有很大的气魄。劳申伯格的艺术哲学受到了他在黑山学院工作时遇到的实验艺术家约翰·凯奇的影响。他是1951年认识凯奇的，两人走得很近。凯奇从禅宗的角度影响了劳申伯格:“判断是没有意义的，因为不存在这个东西比别人好的事实，艺术不应该与生活不同，而是生活中的一种行为。”在劳申伯格的创作生涯中，他一直与周围的城市和技术社团保持联系。他的“综合”手段可以反映一个时代的丰富图像。比如在符号“”中(图3)，我们可以看到所有具有美国60年代特征的信息，包括明星总统肯尼迪，黑人领袖马丁·路德·金，越战士兵，登月宇航员。约翰的职业生涯与劳申伯格的有许多相似之处。在他们发展的关键时刻，曾经共用一个工作室。约翰以其独特而平凡的形象而闻名。一排数字(图4-1)、目标(图4-2)、美国国旗(图5)、美国地图等等已经成为波普艺术的经典，他选择这些图像是因为他认为它们不会产生任何能量。他想强调的是“绘画是它本身，而不是任何其他物体的再现”。约翰无意通过作品表达对艺术或社会的批判。在他看来，艺术家想做什么是他的绝对自由，不应该因为顾及评价而受到限制。他认为在大多数情况下，作品会被误解和误用，艺术家无法控制局面和他的作品被评价的方式。他一点也不介意这种有趣的情况。他的一个著名雕塑是用铁复制两个啤酒罐(图6)，这通常被理解为对某种社会现状的批判。但实际上这种创造纯属偶然。“我用小物件——手电筒和灯泡——制作雕塑。然后发生了一个故事。不知何故，威廉·德库宁被我的经纪人惹恼了。他说，‘那个狗娘养的，如果你给他两个啤酒罐，他就能卖掉。’我听到这句话，心想:‘多好的雕塑啊——两个啤酒罐。’它似乎完全符合我的口味，所以我做了——然后我的经纪人把它们卖掉了。“在英国波普艺术运动中，与美国的劳申伯格和约翰齐名的艺术家是理查德·汉弥尔顿。这三个人在对达达主义的浓厚兴趣上更为相似。汉密尔顿的个人成长过程对他的艺术成就产生了重要影响。与大多数其他艺术家相比，他实际上是一个自学成才的人。14岁小学毕业后开始从事广告工作，同时在多所艺术学校上夜校。他的教师经历成为他绘画生涯的另一个强大影响。长期教授设计课程，让他特别注重解决问题的能力，也让他常常是一个实用主义者。1957他说他追求的品质是大众化，短暂，实惠，搞笑，性感，噱头，迷人，而且一定是廉价，量产。虽然汉密尔顿广泛使用美国主题，但他不是美国风格的艺术家。他总是愿意解释他的作品，有时非常详细。比如作品‖ She ‖就是很多广告图片的集合:有“杨娇”牌冰箱的照片，有吸尘器等电器的广告，还有钉在墙上的《绅士》杂志的图片。汉密尔顿给这部作品附上了一段长长的解释:“50年代艺术中的女性格格不入——她让我们想起了下水道里的气味，病态的肥胖，粉红色的分叉的腿，愚蠢而淫荡，一点也不像艺术作品之外的冰冷女人的形象。那种女人真的好色，表现出性欲的时候特别乖巧。尽管有最昂贵的珠宝，人们仍然把她当作一种时髦的装饰品。从广告的角度来看，女人最糟糕的事情就是无法优雅地与环境达成和谐——女人与环境的和谐，就像她与衣服的和谐一样，可以决定我们对她的评价。性无处不在，它的符号可以在批量生产的迷人奢侈品中找到——多肉的塑料和光滑更感性的金属。后来创作的《我梦见一个白色的圣诞节》，在一个焦平面上做了一系列精心的变换。特别是汉密尔顿把彩色正片换成了彩色负片，把片中的白人歌手换成了黑人歌手，讽刺地暗示了歌手的歌名。但是，这种讽刺并不排除怀旧。汉密尔顿的作品和其他英国波普艺术家的作品一样，有一种淡淡的忧伤，这使得他的作品比美国波普艺术家的作品更有魅力。